Los 100 mejores álbumes de 2022

El éxtasis de la música dance de Beyoncé, el último éxito mundial de Bad Bunny, los trasnoches de Taylor Swift, el ciclo de canciones de Harry Styles y la clase magistral de metáforas de Pusha T fueron solo algunos de los álbumes que gobernaron nuestro mundo este año.

CADA VEZ QUE DÁBAMOS LA vuelta en 2022, sentíamos que otra superestrella nos estaba volviendo locos con un lanzamiento de evento que llegó a los titulares. Beyoncé puso fin a una pausa de seis años entre los LP de estudio en solitario con una reinvención magistral de la música dance; Bad Bunny celebró un año más como el artista más grande del mundo con su último éxito en las listas de éxitos ; Taylor Swift salió de su cabaña; Harry Styles nos llevó de vuelta a su casa; Drake lanzó no uno sino dos éxitos de taquilla; Pusha T nos recordó que nadie rapea sobre nada tan bien como él rapea sobre sus temas favoritos. Fue un año muy grande para álbumes muy grandes.

También fue un momento para que los artistas subieran de nivel con un efecto sorprendente. Rosalía, King Princess, Omar Apollo y Bartees Strange son solo algunos de los que llamaron nuestra atención como nuevos actos en los últimos años, y luego hicieron cosas realmente asombrosas con la atención que se habían ganado. Por otra parte, Wet Leg apareció aparentemente de la nada para hacer uno de los mejores álbumes de rock más divertidos y directos del año; Steve Lacy logró un gran avance en el pop que ni él mismo esperaba; Alvvays resurgió de su hibernación canadiense con un clásico instantáneo del indie-pop; J-Hope se lanzó en solitario con excelentes resultados. Y esos son solo algunos de los sonidos que dieron forma a 2022, un año en la música en el que tenemos la sensación de que estaremos pensando (y bailando) durante mucho tiempo.

100 Archers of Loaf, ‘Razón en decadencia’

En la década de 1990, estos rockeros independientes de Carolina del Norte fueron superados solo por Pavement en su capacidad para unir la raqueta de guitarra retorcida con canciones inequívocamente geniales. Su primer álbum en 24 años es todo lo que querrías de un disco de regreso: la misma gran catarsis reempaquetada de una manera que se siente completamente nueva. El cantante y guitarrista Eric Bachmann solía gritar sobre las limitaciones de la escena del rock; tiene cosas más grandes en mente aquí (política, mortalidad, cosas así), y canciones como “Saturation and Light” y “Screaming Undercover” también muestran crecimiento, acercándose más al tipo de rock clásico que salva vidas que los Archers eran demasiado escépticos. para disparar en su juventud más holgazana. No hay un poco de holgura aquí, solo el sonido de una bestia áspera renacida lista para nuevas batallas y nuevas aventuras.—JD

99 Willow, ‘Mecanismo de afrontamiento’

Willow tiene un perro llamado Korn. Si alguna vez tiene un gato, probablemente debería llamarlo Paramore, porque la música de su impresionante quinto álbum vive en el punto dulce entre el nu metal de principios de los 2000 y el emo de mediados de los 2000. Ella agrega una urgencia emocional real a ese sabor muy actual de Sturm und Drang retro. “Cualquier lado, gane o pierda, esté bien o mal, es una batalla”, nos informa sobre “curioso/furioso”, un sentimiento de poder a través del dolor que podría sonar bastante profesional si su atletismo vocal operístico no fuera tan arrolladora y su convicción tan genuinamente sentida. —JD

98 MJ Lenderman, ‘Canciones de barcos’

MJ Lenderman toca la guitarra en la gran banda Wednesday de Asheville, Carolina del Norte (vea su EP de versiones imprescindibles de este año, Mowing the Leaves lugar de Piling ‘Em Up ). En Boat Songs , se describe a sí mismo como un “payaso de rodeo golpeado” cuyo neo-miserablist everybro mien recuerda al Neil Young de Zuma .si fuera un pescador sureño que tuviera demasiadas opiniones fuertes y borrachas sobre las contrataciones de entrenadores de fútbol americano universitario. La picada por mosquitos “You Have Bought Yourself a Boat” suena como si The Band grabara para Drag City, mientras que “Tastes Just Like It Costs” es una montaña zen de apestosa guitarra de baja fidelidad. La mejor canción es “Hangover Game”, que utiliza el quinto juego de las finales de la NBA de 1997 como lente para explorar la forma en que nuestras vidas pueden fusionarse con nuestros mitos más preciados de maneras un poco jodidas. —JD

97 Los Bitchos, ‘¡Que empiecen las fiestas!’

Una banda de dance-rock instrumental excepcionalmente inventiva con antecedentes internacionales y un sonido verdaderamente mundano, Los Bitchos tienen un alboroto absoluto en su debut, mezclando todo, desde el metal de dientes de los años ochenta hasta la cumbia colombiana, pasando por el surf rock y la psicodelia, hasta la discoteca y el funk. Su música es juguetonamente exótica pero también invitantemente vivida, el sonido de encontrar tu voz en el flujo del mundo y, a diferencia de mucha música instrumental, mantienen el disfrute del oyente al frente y al centro al orquestar cada uno de sus dos a- cancioncillas de tres minutos para un impacto pop máximo, por lo que canciones como “The Link Is About to Die” o “Pista (Fresh Start)” tienen tantos ganchos memorables como ritmos gruesos o solos calientes.  —JD

96 Gran Joanie, ‘De vuelta a casa’

Este trío de feministas británicas negras se identifica a sí misma como punk, pero este álbum deja en claro que el mundo es su ostra musical. Desde las armonías en cascada y los riffs de pedales de coro con los que se estrella “Cactus Tree”, hasta los sintetizadores de videojuegos de “Sainted”, Back Home muestra a Big Joanie lista para intentar cualquier cosa y ganando cada vez. La atractiva guitarrista y vocalista conversacional Stephanie Phillips escribe estribillos que se enganchan rápidamente y sin esfuerzo: trata de resistirte a tararear “In My Arms” incluso antes de que termine. —MM

95 Natalia Lafourcade, ‘De Todas Las Flores’

De Todas Las Flores fue un acto de renovación para la cantautora mexicana Natalia Lafourcade. Después de un período de lanzar magníficas odas al cancionero latinoamericano, Lafourcade comenzó a crear una colección barroca de canciones originales, muchas de ellas inspiradas en los meses que pasó en su jardín durante la pandemia. El resultado es una obra maestra abundante que presenta algunos de sus arreglos más exuberantes, incluso cuando explora la intensidad de la vida, la muerte y el renacimiento. “Vine sola a este mundo, y sola me iré”, canta en “Vine Solita”, una elegía inquietante que abre un álbum que florece con melodías de bossa nova, complejas estructuras de décima y ricos sonidos naturales. —JL

94 Runkus y Toddla T, ‘FUERA: LADO’

El cantante, compositor, músico y productor jamaiquino Runkus fusiona su creatividad ilimitada con la experiencia en producción del productor y locutor de radio británico Toddla T en OUT:SIDE. El resultado: el trabajo más sofisticado de Runkus hasta el momento, con sus narrativas complejas y provocativas combinadas con una instrumentación igualmente convincente que desdibuja el género. El canto, el rap y la hipnótica voz de Runkus atraviesan sin esfuerzo un paisaje sonoro ecléctico de líneas de bajo de reggae en auge, ritmos de dancehall farfullantes, ritmos de trampa, muestras de R&B y características fascinantes que incluyen Chronixx (“Pretty Suit”) y Ky-Mani Marley ( “Buen amor”). El notable cierre “Taxi: Zion”, un sincero tributo a los hermanos asesinados de Runkus, el aspirante a artista France Nooks, presenta una pared de sonido cambiante de seis minutos que complementa idealmente las profundas reflexiones de Runkus sobre la venganza, la fe, la duda y el más allá. -PM

93 Empático, ‘Visitante’

El rock ruidoso puede mutilar tu cráneo. También puede elevar tus sentidos. Esta banda de Filadelfia maneja ambos, creando océanos de violencia diurna en los que es realmente un placer sumergirse. Visitor es el álbum con más canciones que jamás hayan hecho. La cantante Catherine Elicson siempre ha sido una gran gritadora de hardcore, pero aquí encuentra una nueva fuerza y ​​profundidad, y el tumulto característico de la banda está más matizado y esculpido que nunca. El thrash psicodélico de “Corner of Surprise” sonríe y se enfurece al mismo tiempo, mientras que “Diamond Eyelids” y “Passing Strange” tienen melodías genuinamente tarareables, y “Bell” es una poderosa balada legítima. Todo esto recuerda el momento en que Hüsker Dü y Sonic Youth bajaron un poco la guardia y pasaron de hacer castigos de alto nivel a crear rock & roll de clase mundial.—JD

92 Ingrid Andress, ‘Buena persona’

El lirismo honesto que convirtió a Ingrid Andress en una nominada al Grammy como Mejor Artista Nuevo con su debut en 2020, Lady Like , está en plena exhibición en su seguimiento. Good Person comienza con un estado de ánimo más oscuro, mostrando la sorprendente influencia de 1975 mientras canta sobre cómo deshacerse de una relación tóxica y reflexiona sobre el amor perdido. En la destacada lírica “Yearbook”, canta sarcásticamente sobre una pareja imaginaria: “Supongo que se quedaron juntos solo porque escribieron para siempre/En el interior de la portada junto a sus nombres”. Pero la segunda mitad del álbum se mueve hacia baladas de amor profundo, mientras canta con orgullo sobre usar “gafas de color rosa/Así que nunca tengo que ver/Los colores del océano” en “Blue”. El amor puede ser grandioso. —TM

91 Lizzo, ‘Especial’

Lizzo es una de las grandes personalidades del pop moderno, un torbellino de carisma que produce éxitos autoafirmativos que enriquecen la vida con una consistencia impresionante. La continuación de Cuz I Love You , que hizo carrera en 2019,  es tan pegadiza y conocedora del baile como cabría esperar, perfeccionando su sonido con la ayuda de Max Martin, Mark Ronson y el productor de Harry Styles, Kid Harpoon, entre otros colaboradores. Canciones como el gran éxito “About Damn Time” son muy divertidas, pero los momentos vulnerables se destacan, como en la canción principal, donde Lizzo se basa en detalles sobre su educación en Houston y el odio en línea que ha acumulado, luego los convierte en un segundo. afirmación de persona que cualquiera podría usar.

90 Protoje, ‘A la tercera va la vencida’

El último de una trilogía de álbumes que incorporan el concepto del tiempo, Third Time’s the Charm de Protoje contempla reflexiva y poéticamente nuestro bien más preciado en diversas circunstancias: como un período prolongado de dichoso aislamiento (“The Hills”), preciados momentos pasados ​​con seres queridos. (“Here Comes The Morning”), y las enseñanzas místicas extraídas de su forma de vida rastafari (“Incient Stepping”). En colaboración con algunos de los productores más ingeniosos del reggae contemporáneo, incluidos Iotosh, Ziah .Push y Zion I Kings, Protoje deja que los ritmos característicos de Jamaica dominen los exquisitos collages del álbum, muchos de ellos infundidos con elementos de hip-hop y neo-soul, produciendo un progresivo. identidad reggae, y su mejor esfuerzo hasta la fecha. -PM

89 Goyo, ‘En Letra De Otro’

Hacer un álbum lleno de versiones es una tarea compleja, pero la cantante colombiana y líder de ChocQuibTown, Goyo, lo hace con una gracia fascinante. Para un especial de HBO que lanzó en marzo, Goyo grabó música que la ha moldeado, abordando clásicos ambiciosos que habrían derribado a un artista menos motivado. En cambio, Goyo infunde nueva vida al clásico salsero “Oye Mi Ritmo”, agrega una energía inesperada a “Antologia” de Shakira y aporta ritmos caleidoscópicos a “Pa’ Mayte” de Carlos Vives. Ella infunde quién es ella en la médula de cada canción, todo mientras descubre su propio universo en el proceso en pistas originales, como la instantáneamente pegadiza “Na Na Na”. —JL

88 Courtney Marie Andrews, ‘Futuro suelto’

La cantante criada en Arizona ha estado grabando discos desde 2008, pero nunca ha sonado más en casa que en Loose Future, su deslumbrante colección de folk indie texturizado, soul country soleado y pop melancólico de cantautores de los setenta. El título de “You Do What You Want”, uno de los aspectos más destacados del álbum, también sirve como una declaración de misión: canciones sobre lecciones aprendidas y amor perdido escritas, arregladas y grabadas completamente en sus propios términos (incluida la ayuda de jack-of -productor de todo tipo Josh Kaufman). Toda la colección es una invitación a unirse a Andrews en el viaje, comenzando con la cálida invitación de la canción principal de apertura: “Loose future”, canta Andrews, “si quieres viajar conmigo”. Las nueve canciones restantes son uno de los viajes más emocionantes de cualquier cantautor en 2022. —J. Bernstein

87 Blxst, ‘Antes de ir’

Con su debut de larga duración, fusionando hip-hop y R&B con rimas melódicas y transiciones suaves, Blxsthizo que los oyentes sintieran que estaban escuchando una canción extendida. Sus raíces del sur de California son sencillas cuando se escucha un acento, pero este es un LP que te hará sentir como si estuvieras viajando por la autopista con un clima de 75 grados, sin preocupaciones ni ansiedad. Sin embargo, incluso si no eres de donde él es, esta música se siente como en casa para cualquier persona empapada de R&B: canciones como “About You”, que muestra “Faded Pictures” de Case y Joe, hacen un guiño a la música sensual de finales de los noventa. y principios de la década de 2000 que los padres de muchos oyentes podrían habernos acusado alguna vez de “no saber nada”. Y mientras la nostalgia te empuja hacia días más simples, el lirismo de Blxst es relevante para cualquiera que busque el amor en la década de 2020. Es el tipo de actuación que hace que sea fácil ver por qué los fans se apresuraron a conseguir entradas para su gira a principios de año.-METRO. Jordán

86 Zora, ‘Z1’

Llegando con suficiente fuerza inventiva para dejarte sin aliento, Z1 es un debut instantáneamente memorable de un rapero, cantante y productor visionario: el tipo de álbum que te hace preguntarte cómo el artista que lo hizo no es ya una estrella más grande. Zora se pavonea con confianza desde el electro pop extático (“All Around the World”) hasta el mal humor alternativo (“Happiest I’ve Ever Been”) y el rap club de una milla por minuto (“Runnitup”), rebotando entre sonidos como si todo el mundo el mundo es su patio de recreo. Este verano, Zora habló sobre querer hacer “algo que le diera a las niñas, específicamente a las niñas negras; Chicas trans negras, incluso más específicamente, una sensación de esperanza”. Este álbum alegre y seguro de sí mismo hace eso y más. —SVL

85 Erin Rae, ‘Relájate’

Inspirado en algunos de sus discos pop cinematográficos favoritos de los años setenta, el tercer LP de la cantautora de Nashville marcó un paso decisivo en el sonido, el estilo y la narración de sus dos últimos álbumes de cálidos cuentos de música country: Vea el remolino surrealista de la costa oeste. de “Can’t See Stars”, el psych-folk de circo y órgano de “True Love’s Face”, o el hermoso ajuste de cuentas posterior a la angustia en la balada pop de piano “Gonna Be Strange”. Con su título descarado que hace un guiño a la inclinación de la cantante por la tristeza, Lighten Up es una muestra impresionante del universo emocional y sónico en constante expansión de Rae. —J. Bernstein

84 Raveena, ‘El despertar de Asha’

A Raveena Aurora, una cantante y compositora de 27 años que creció en Queens, se le ocurrió una gran idea para su segundo álbum: canalizar el R&B influenciado por Bollywood y las improvisaciones pop que amaba en la secundaria en un disco conceptual sobre una princesa viajera del espacio llamada Asha en busca del amor mientras salta alegremente de planeta en planeta. Un ritmo espléndidamente boyante recorre todo el LP, desde el sintetizador-funk amante de Tom Tom Club de “Kathy Left 4 Kathmandu” hasta el ágil bullicio del oeste y el sur de Asia de “Magic” y el sublime punto culminante de “Rush”. Su voz entrecortada y su sentido de descubrimiento personal iluminan cada melodía, lo que la convierte en una exploración interestelar del sonido y la belleza personal y transgresora. —JD

83 Estromas, ‘Multitud’

Multitude hizo que la pausa de siete años de Stromae valiera la pena. El artista belga, conocido por experimentar con sonidos africanos y electrónicos, marcó su regreso a la música con Multitude , un álbum que casi llamó Folklore antes de que Taylor Swift se quedara con ese título. El disco, en esencia, está lleno de sonidos folclóricos de todo el mundo, incluido el charango andino, un coro búlgaro en la apertura del álbum y electro-cumbias de México en el sencillo principal del LP, “Santé”. Solo Stromae podría reunir elementos de todo el mundo y aún así hacer un álbum que se sienta tan cohesivo. —TM

82 JID, ‘La historia eterna’

Si hubiera un premio al mejor narrador del año, debería ir a JID. El último álbum del rapero de Atlanta presenta un elenco estelar de invitados, desde los colegas de Dreamville, Ari Lennox y Earthgang, hasta los MVP del hip-hop como Lil Durk y 21 Savage. Pero las historias que cuenta JID a lo largo de este proyecto son las suyas propias, sumando una narración que muestra brillantemente las complejidades de su vida. Como se cuenta en este álbum, él no es ajeno al amor, la pérdida, la familia o la lucha por lo que cree, incluso si eso significa meterse en una pelea en Nueva Orleans a los 17 años porque un hombre golpeó a su hermana. The Forever Story tiene espacio para todas las personas y experiencias que hicieron de uno de los letristas más convincentes de la actualidad. -METRO. Jordán

81 Conan Gray, ‘Superache’

Conan Gray brilla más cuando es honesto, aunque duela. Y seguro que brilló en Superache , un álbum que exploró los desamores del cantante que piensa demasiado con citas en canciones como “Footnote” y “Memories”, pero también en su infancia con la lacrimógena “Family Lines”. “Sentí como rasparme las costillas de los últimos trozos de carne”, le dijo a Rolling Stone sobre la creación del álbum, que está lleno de baladas y coros explosivos producidos por el colaborador de Olivia Rodrigo, Dan Nigro. Superache es una continuación asertiva del debut de Gray, Kid Krow , que contó con la exitosa “Heather”, y deja a los oyentes listos para lo que puede venir a medida que continúa madurando. —TM

80 Girlpool, ‘Perdón’

Cuando Girlpool lanzó su cuarto LP a principios de 2022, hubiera sido difícil predecir que para fin de año, el dúo de folk convertido en synth-pop se habría disuelto en el futuro previsible. Que esta pueda ser la última declaración de Avery Tucker y Harmony Tividad hace que lo que ya era un hito en su carrera se sienta aún más conmovedor, desde el pop industrial vanguardista de “Nothing Gives Me Pleasure” hasta las despedidas de ensueño y de tendencia folk de ” Agujeros de bala de mariposa” y “Love333”. Es el sonido de un dúo de toda la vida que encuentra nuevos caminos emocionantes, incluso si eso significa comenzar de nuevo. —J. Bernstein

79 Craig Finn, ‘A Legacy of Rentals’

Un epitafio estadounidense para nuestro tiempo: “La destrucción se volvió aburrida”. Craig Finn alcanza su punto máximo en A Legacy of Rentals , mientras el líder de Hold Steady deambula por un país destrozado, con un elenco de vagabundos, perdedores y soñadores desafortunados. La música es la más hermosa y edificante de su historia, endulzada por las cuerdas y los coros de Cassandra Jenkins. Finn demuestra ser uno de los grandes narradores de historias de la cultura estadounidense con historias posteriores a la pandemia como “El año en que nos quedamos atrás”. “Messing With the Settings” es una despedida desgarradora para un viejo compañero de drogas, con el cierre: “Rachel hizo lo mejor que pudo con el trato que le habían hecho / Y eso es lo que tengo como un elogio”. —RS

78 Giveon, ‘Give or Take’

La voz de Giveon podría hacer que una canción de cuna suene como una balada íntima. En Give or Take , Giveon usa su superpoder para cortar más profundo que nunca , lanzando aguijones tan memorables como su barítono uno en un millón. Y aunque pasa de las vulnerabilidades a los escarceos y al inevitable desamor, este álbum se siente cohesivo, unido muy bien por una conversación con su madre sobre el amor y su legítima ascensión al estrellato. —TR

77 Lee Bains and the Glory Fires, ‘Old-Time Folks’

Cuando el cantautor punk de Atlanta a través de Alabama , Lee Bains, se dispuso a hacer su cuarto álbum, tenía la intención de convertirlo en su colección más accesible hasta el momento: más coros para cantar, más lentos que sus típicos tempos vertiginosos, melodías envolventes que, esta vez. alrededor, invocó a Bob Seger más que a Fugazi. Pero Old-Time Folks es también el conjunto más rico y profundo de canciones de historias que combinan la historia con el presente de la carrera de Bains, desde la solidaridad de clase de “Rednecks” hasta el lamento por la pérdida de un ser querido debido a una conspiración en las redes sociales en “Old Friends”. a la historia interseccional que abarca siglos de la canción principal. Esta visión arrolladora de la resistencia sureña es un punto culminante en la carrera de un compositor que continúa contando las historias complicadas y poco contadas de su tierra natal. —J. Bernstein

76 Latto, ‘777’

El segundo álbum oficial de Latto puede estar centrado en “Big Energy”, su exitosa interpolación del clásico “Sweet Fantasy” de Mariah Carey (que a su vez se basa en “Genius of Love” de Tom Tom Club). Pero la antigua Queen of da Souf usa el momento para escupir “como si tuviera una vendetta” en el resto del álbum, ofreciendo cortes frágiles de rap duro mientras prueba su flujo contra invitados como Lil Durk, Nardo Wick y 21 Savage. “Bottega tacones en el club / ¿Quién pensó que una perra estaría levantada?” ella canta “It’s Givin” mientras rinde homenaje a los héroes del rap crunk Crime Mob, una tradición completamente diferente a las delicias del pop-rap de “Big Energy”, y una que habita con facilidad. -SRES

75 Rina Sawayama, ‘Hold the Girl’

Aunque la psicología pop del “trabajo del niño interior” podría parecer trillada, Rina Sawayama muestra en Hold the Girl que la curación puede ser fea, compleja y transformadora. Abordando sus traumas profundamente arraigados a través de ganchos pop mordaces, representa el proceso caótico de reconstruirse improvisando ritmos frenéticos de garaje del Reino Unido, castigando la batería de Eurodance y rock de estadio exagerado. Estas producciones de Franken se encuentran con baladas pop de principios de la década de 2000 sobre cómo finalmente encontrarte con tu verdadero yo y música country sobre celebrar con parientes queer, revelando que al otro lado de enfrentar tu dolor, hay una alegría trascendente. —MHK

74 Saba, ‘Few Good Things’

El álbum de Saba de 2018, Care for Me , obtuvo elogios generalizados por su exploración melancólica de la juventud animada y agobiada por la vida y la tragedia en el lado sur de Chicago. Más de tres años después, Pocas cosas buenas lo encuentra ajustándose a ese éxito. “El dinero no significa riqueza, eso solo significa rico”, armoniza en “If I Had a Dollar”. Tiene muchos más invitados en esta ronda, en su mayoría homies locales como Smino y Pivot Gang, aunque Bone Thugs-N-Harmony OG Krayzie Bone hace una aparición ganadora en la joya veraniega “Come My Way”. El estado de ánimo es conmovedor y vibrante, pero Saba tiene una voz fuerte y clara que le da a este álbum una vida propulsora. -SRES

73 Lainey Wilson, ‘Bell Bottom Country’

En su segundo álbum en tantos años, Wilson consolida su estatus como una de las mejores nuevas estrellas de la música country . El título se refiere a su estilo hogareño y de brazos abiertos, “country with a flare”, como ella dice, y Wilson felizmente se describe a sí misma como una “hippy hillbilly” que usa un cristal en el cuello, conduce un Ford F250, y ama a Keith Whitley. Pero es el corazón, tanto como la llamarada, lo que hace que las canciones se mantengan: Wilson escribe de manera convincente sobre su papá (deletreado “deddy”), las raíces de la clase trabajadora y la lujuria, entre otros temas valiosos. Comience con “Heart Like a Truck”, que muestra la especialidad de Wilson de convertir las convenciones del país en algo significativo. —CH

72 Future, ‘I Never Liked You’

Casi todos los años, al parecer, los fanáticos de Future pueden esperar no solo una gran cantidad de funciones, sino al menos uno, si no un par de proyectos de él. Este año no defraudó con I Never Liked You . Desde la animada introducción “712PM”, Future establece el tono del álbum, brindándote lo mejor de ambos mundos: desde temas jactanciosos y agresivos como “I’M DAT N***A”, “HOLY GHOST” y “Chickens ” al himno del fumeta suave “FRAILECILLO EN ZOOTIES”, es seguro decir que Future mostró su gama. Si eso no es suficiente, solo contempla el éxito de la colaboración de Tems y Drake “WAIT FOR U” para ver por qué este es uno de los mejores de 2022 y un punto culminante para Future. —DG

71 Ribbon Stage, ‘Hit With The Most’

El sueño de Olympia, Washington, está vivo en la forma del maravilloso Ribbon Stage . El trío de Nueva York se remonta a los dioses del cuddle-core de los noventa como Tiger Trap y Shop Assistants. Hit With the Most consta de 11 canciones en 19 minutos emocionantes, pequeñas tomas rápidas de ruido borroso, canto bonito y preocupado y tambores que retumban. Títulos como “It’s Apathy”, “Nowhere Fast” y “No Alternative” establecen el tono emocional. Pero incluso cuando sus canciones suenan como si pudieran colapsar antes de que la banda llegue a la línea de meta, Ribbon Stage siempre supera su angustia y aburrimiento para alcanzar el punto dulce twee-punk. —JD

70 Ashley McBryde, ‘Ashley McBryde Presents: Lindeville

El tercer álbum de Ashley McBryde es más un esfuerzo de grupo que un proyecto en solitario, ya que Lindeville reúne los talentos considerables de Brandy Clark, TJ Osborne, Aaron Raitiere y otros para contar historias de la vida de un pueblo pequeño, tanto desgarradoras como divertidas. El álbum producido por John Osborne incluye el drama del parque de casas rodantes en “Brenda Put Your Bra On”, una historia inquietante de una mujer joven que desapareció en “The Girl in the Picture” y la extrañamente dulce “Gospel Night at the Strip Club”. — todo unido por hábiles jingles de radio para negocios en la ciudad. McBryde cierra el álbum con una hermosa canción de cuna, cantando desde la perspectiva de la torre del reloj vigilante y estoica de la ciudad. —JF

69 Becky G, ‘Esquemas’

Cinco años después de su avance en español, “Mayores” con Bad Bunny, Becky G entregó Esquemas , un proyecto diverso y maduro que personificaba completamente la etiqueta de “cruce inverso” que la estrella nacida en Inglewood se había puesto a sí misma. En el LP, Becky mostró su habilidad natural para experimentar con canciones pop latinas puras como “Bailé Con Mi Ex” y temas bailables de reggaeton como “No Mienten”, mientras colaboraba con los pesos pesados ​​del género Karol G, Natti Natasha y El Alfa. Becky ha demostrado que está lejos de ser la joven estrella del pop adolescente que los fanáticos conocieron hace años, y que es una líder femenina destacada en el panorama en constante expansión de la música latina. —TM

68 Silvana Estrada, ‘Marchita’

Aunque Marchita es un álbum sobrio y sutil, está repleto de ejemplos de los muchos talentos de Silvana Estrada. Canciones como “Más o Menos Antes”, “Un Día Cualquiera” y “La Enfermedad de Siglo” son gemas íntimas y despojadas que enfatizan su madurez y los años que pasó entrenándose en todo, desde jazz, música coral y música mexicana. hijo jarocho. También son una muestra sorprendente de su hermosa voz, delicada instrumentación y lirismo desgarrador, todas las razones por las que la cantautora mexicana ganó el premio a Mejor Artista Nuevo en un empate sorprendente con Angela Alvarez este año en los Latin Grammys. —JL

67 The Beths, ‘Expert in a Dying Field’

Desde la excelente canción principal hasta el grandilocuente punto culminante “Knees Deep”, el tercer álbum del cuarteto de Nueva Zelanda muestra un regreso a los ganchos de power-pop uptempo que inducen adrenalina que hicieron que su debut en 2018,  Future Me Hates Me , fuera tan querido. Guardaron su arma secreta y cambiaron a rockeros de medio tiempo en  Jump Rope Gazer de 2020 , decepcionando a algunos fanáticos, solo para desatarla nuevamente y recordarnos por qué son una de las mejores bandas de indie-rock de su tiempo. “La fórmula se mantiene”, dijo el guitarrista Jonathan Pearce. “Pero con este disco, nos hemos inclinado por completo hacia lo que creemos que son los Beths”. -SOY

66 Drake and 21 Savage, ‘Her Loss’

Drake no es ajeno a la colaboración con los artistas emergentes de la actualidad, pero dio un paso más al traducir la química que ha tenido con 21 Savage a lo largo de los años en un impresionante álbum de larga duración. El propio Drake ha confirmado que Her Loss se puede ver como la parte final de una trilogía que comenzó con Certified Lover Boy del año pasado, y luego continuó con el uptempo Honestly, Nevermind: lean los títulos juntos como “Soy un chico amante certificado honestamente, no importa su pérdida”, y tendrás una idea de cómo logró su proyecto conceptual más grande hasta el momento en tres álbumes. en su pérdida,Drake y 21 Savage se prepararon para florecer mientras intercambian compases y melodías sobre instrumentales impecables. Es seguro decir que seguiremos viendo barras de este álbum como subtítulos de Instagram hasta bien entrado el año nuevo. —DG

65 The Smile, ‘A Light for Attracting Attention’

Aparentemente el lanzamiento de una nueva banda para Thom Yorke y Jonny Greenwood, el LP debut de Smile se siente como la esencia cruda de la experiencia Radiohead: rock progresivo y minimalista sazonado con el ingenio mordaz de Yorke. (“No nos aburran, vayan al coro”, bromea con la excelente, lánguida y arrastrada “Open the Floodgates”). El baterista de jazz Tom Skinner completa el trío con ritmos inteligentes y saltones que añaden un poco de funk a la música. “The Smoke” y un ritmo descentrado de 7/8 para “Pana-Vision”. Los tres músicos trabajan bien juntos y logran algunos momentos de trascendencia, como el vagamente Pink Floyd-y “Free in the Knowledge”. Es como In Rainbows , sin el espectro ultravioleta, solo los colores puros brillando. — KG

64 Lucrecia Dalt, ‘Ay!

Abriendo con un toque de instrumentos de viento que evoca un drama romántico de los años cincuenta, el experimentador colombiano expatriado ha construido una narrativa moderna de ciencia ficción sobre un extraterrestre llamado Preta, utilizando una orquesta de instrumentación analógica y una imaginación muy moderna. El bolero de la vieja escuela es el estilo dominante, pero salpicado de filigrana electrónica y un sentido rítmico que puede recordar el apogeo de los años ochenta y noventa de Tom Waits. Es el set más atractivo hasta ahora de Dalt, con sede en Berlín, una de las mentes más inquietas e interesantes de la nueva música, y demuestra cómo incluso los estilos antiguos pueden deslumbrar en las manos adecuadas. —WH

63 Babyface, ‘Girls Night Out’63

Si alguien es inmortal en la música, es Babyface. El cantante y productor lleva conquistando el corazón y el alma de los fans desde los años ochenta, entre canciones propias que compuso e interpretó él mismo y las que escribió para nuestras leyendas favoritas. En una batalla memorable de Verzuz durante el pico de la pandemia, se robó el espectáculo con calma contra Teddy Riley, dando a aquellos que no estaban acostumbrados a la bondad que era el R&B de los noventa la oportunidad de ver todo lo que Babyface ha tenido en sus manos. Este año, siguió con el triunfo de Girls Night Out. , con sus artistas femeninas de R&B favoritas, como Ari Lennox, Queen Naija, Kehlani, Ella Mai y Tink. El álbum comienza con un cameo de audio de las personalidades de la radio y la televisión Angie Martinez y La La Anthony, que se reúnen para tener un tiempo de chicas muy necesario para hablar sobre la vida, el amor y cualquier otra cosa que pueda surgir durante una hora feliz de fin de semana. ¿No podríamos todos usar algo así? -METRO. Jordán

62 Jorge Drexler, ‘Tinta y Tiempo’

El amor es el plan maestro, postula Drexler en su obra maestra de finales de la pandemia, y no está solo. El padrino de la salsa, Rubén Blades, agrega un verso de poesía esperanzada, el rapero israelí Noga Erez rocía funk atrevido y la propia voz del trovador uruguayo, delicada e introspectiva, se ve reforzada por coros femeninos y, por primera vez, impresionantes arreglos orquestales. Drexler había colaborado en El Madrileño de C. Tangana, y el enfant terrible de España le devuelve el favor en “Tocarte”, un audaz collage de electro-pop con tenues fundamentos flamencos y rimas deliciosamente sensuales. Drexler sufrió un ataque de inseguridad paralizante durante la producción, pero el resultado final es el álbum más exquisito de su carrera. —EL

61 Lil Durk, ‘7220’

Después de enfrentar la tragedia de perder tanto a su hermano como a su protegido King Von, Lil Durk lanzó un álbum que convirtió su agonía en un triunfo personal. Mientras que la pista asistida por Gunna “What Happened to Virgil” se convirtió rápidamente en un gran éxito del álbum, la voz de Chicago derramó su dolor en pistas como “No Interviews”, “Smoking & Thinking” y “Federal Nightmares”. A pesar de todo, encontró tiempo para darles a los fanáticos los himnos de perforación que lo llevaron a donde está hoy en “AHHH HA” y “Golden Child”. —DG

60 Mitski, ‘Laurel Hell

Nombrada en honor a una planta enredada que se encuentra en las Montañas Apalaches,  Laurel Hell  muestra a Mitski regresando de una pausa de dos años, durante los cuales contempló abandonar la industria de la música. Pero avanzó a través de la espesura y descubrió tesoros como “Working for the Knife”, “Heat Lightning” y la maravilla de synth-pop “The Only Heartbreaker”. En el último, coescrito con el líder de Semisonic y el exitoso compositor Dan Wilson, se vuelve hacia la pista de baile. “Este álbum pasó por muchas iteraciones”, nos dijo. “Este álbum ha sido un disco punk en algún momento y un disco country. Luego, después de un tiempo, fue como, ‘Necesito bailar’. A pesar de que la letra puede ser deprimente, necesito algo que me ayude a superar esto”. -SOY

59 Rauw Alejandro, ‘Saturno’

¿Adónde podría ir Rauw después del éxito titánico de “Todo de Ti” del año pasado? La respuesta, resulta, es otro planeta. Su tercer álbum es una transmisión de un mundo nuevo y valiente en el espacio exterior, construido sobre sintetizadores plateados, pistas de baile resbaladizas y brillo techno de los años ochenta y noventa. No es un territorio totalmente inexplorado: el álbum encaja en la fascinación pospandémica del pop con los sonidos de club eufóricos, vagando en el mismo universo que Dawn FM de The Weeknd y Future Nostalgia de Dua Lipa. Pero Rauw ha encontrado un lugar en el cosmos que es claramente suyo, convirtiendo a Saturno en un refugio nocturno electro-lit que también funciona con reggaeton. —JL

58 Ari Lennox, ‘Age/Sex/Location

Ari Lennox es un acto de clase completa, desde su transmisión en vivo con fanáticos como si estuviera hablando con amigos, hasta su música personal y profundamente identificable. Cuando Edad/Sexo/Ubicación lanzado a principios de septiembre, se sintió como la introducción perfecta para el otoño. El álbum de casi 40 minutos comienza con una vibra de jazz y soul que recuerda a Erykah Badu alrededor de “On & On”, pero la lentitud de los instrumentos y el enfoque sensual pero directo de Ari dan “POF (Plenty of Fish)”. una identidad fresca. La siguiente canción es el himno de la temporada de esposas del año, con la artista de Dreamville preguntando claramente a su amante: “¿Puedo ponerme esa sudadera con capucha?” El resto del álbum es un hábil acto de equilibrio. Canciones conmovedoras y divertidas como “Outside” hacen que uno quiera rodar con el bajista mientras canta las notas de soprano; otras pistas muestran más descaro, como “Blocking You” y “Boy Bye”, que presenta CandyDripartista Lucky Daye. Esos temas reflejan la vida real de muchos de los fanáticos de Ari, y su forma conmovedora de dirigirse a ellos en una canción es propia. -METRO. Jordán

57 Pictoria Vark, ‘The Parts I Dread

Una de las grandes durmientes del año: Pictoria Vark, también conocida como Victoria Park, ya es una maestra de las viñetas indie-rock conmovedoras en su excelente álbum, The Parts I Dread . Tiene un toque inteligente para el ingenio autodestructivo en baladas como “Wyoming”, preguntando: “¿No puedo culparte por todo? ¿Caídas del mercado, cambios de humor? “I Can’t Bike” es un himno peatonal largamente esperado que se desvía sorpresivamente en el minuto final para un glorioso solo de guitarra ruidoso que surge de la nada, que evoca espíritus afines como Snail Mail, Soccer Mommy y Hop Along. Pero sobresale en triunfos silenciosos como “Friend Song”, donde mira a las estrellas de Iowa y sueña con alguien que se queda atrás en Brooklyn. —RS

56 Horsegirl, ‘Versions of Modern Performance

Horsegirl irrumpió este año en la bulliciosa escena indie-rock de Chicago con su propio sonido fresco. Si eres un fanático de las guitarras, Horsegirl te ofrece el sonido metálico que has estado anhelando: su espectacular debut, Versions of Modern Performance , es una explosión de fuzz de seis cuerdas de primer nivel que aporta un nuevo y astuto giro a los ritmos. de Pavement, los Breeders, o los Pastels. (Lee Ranaldo y Steve Shelley de Sonic Youth tocan la no tan irónica “Beautiful Song”.) Estas tres mujeres de la generación Z pueden ser demasiado jóvenes para entrar en bares, de ahí “Dirtbag Transformation (Still Dirty)”, pero han tiene un futuro abierto. Mejor frase: “A veces pienso que te deseo lujuria/pero sé que es solo amor”. —RS

55 Kiko El Crazy, ‘Llego El Domi

Kiko El Crazy se ha destacado como una de las figuras más creativas de la República Dominicana, un agente del caos atrevidamente vestido que aporta energía puntiaguda y extravagante a sus pistas de dembow. Su álbum Llego El Domi fue otro giro impredecible para él: brillante y ágil, el LP se siente como Kiko El Crazy pintando con todos los colores a su disposición, iluminando la paleta sónica del proyecto con reggaeton, electro-pop e incluso Juan Luis Guerra. guitarras inspiradas. Ya sea que esté tocando riffs con pioneros del reggaetón de la vieja escuela como Ñengo Flow en “Chukiteo” o intercambiando versos con su colega artista dominicana Kaly Ocho en “Mi Loca”, él siempre suena de manera única. —JL

54 Yeah Yeah Yeahs, ‘Cool It Down

En su primer álbum en nueve años, el trío post-punk de Brooklyn nos ofrece la música más sincera y sentida de su carrera. Abren con “Spitting Off the Edge of the World”, una canción que es tan imponente como su clásica balada “Maps”, pero esta vez la crisis no es romántica, es política, ambiental y generacional. Luego proceden a bailar el dolor con “Wolf” y “Fleez”, canciones empapadas de los ritmos artísticos de Nueva York que han hecho que los chicos geniales hagan avanzar las cosas desde la década de 1970. En la desgarradora “Blacktop”, la cantante Karen O cita a Dylan Thomas sobre un sintetizador de Brian Eno. Mientras nos ruega que “aguantemos hasta que el amor se haya ido”, sus palabras se mueven a través de la belleza oscura y envolvente de la música como un débil mensaje de esperanza en un mar de dudas y caos. —JD

53 Quavo & Takeoff, ‘Solo construido para Infinity Links’

Para aquellos de nosotros que vimos el surgimiento del trío de hip-hop Migos en la década de 2010, la idea de un álbum sin el tercer miembro, Offset, fue un poco decepcionante para nuestra nostalgia. Sin embargo, el proyecto salió a la luz. Infinity, dice Quavo en los primeros momentos del álbum, es “el vínculo más fuerte del mundo… Corre en la sangre”. A medida que avanza la primera pista, “Two Infinity Links”, agrega: “Nunca quiero ver el día en que pierda a mi hermano por uno”. Semanas más tarde, esa línea sin querer se convirtió en una profecía espiritual desgarradora que aparentemente presagiaba la muerte de Takeoff. En retrospectiva, puede haber sido divinamente necesario que Takeoff y su tío Quavo hicieran un álbum como dúo, sellando su vínculo de ser criados como hermanos a crecer como superestrellas. Y al poner a Takeoff en el centro de atención, mostrando una vez más el genio rítmico que lanzó el éxito del grupo, termina como un final apropiado para una carrera notable y subestimada. -METRO. Jordán

52 Kurt Vile, ‘Mira mis movimientos’

“La vida puede ser divertida/Imagina si supiera esto cuando era joven”, ofrece el místico de la guitarra stoner más entrañable y realista del indie rock cerca de la apertura de Watch My Moves .Vile sigue siendo el gran heredero de nuestra era de la tradición de Neil Young/Meat Puppets/Dinosaur Jr. de doblar acordes, lanzar solos hipnóticos y relajarte con tus demonios hasta que empiecen a sentirse como compañeros de copas. Kurt hace fideos, choogles, quema y arde. Canta sobre tocar en casa en ropa interior y sobre escuchar “Heart of Gold” mientras espera para subirse a un avión, y sobre cómo tocar su guitarra lo hace feliz cuando comienza a sentirse mal. “Probablemente será otra canción larga”, bromea en “Fo Sho”. En un mundo de basura de gratificación inmediata, este anti-opus de 73 minutos es un gran argumento para tomar el camino más largo hacia donde sea que termines o no. —JD

51 Romeo Santos, ‘Fórmula vol. 3’

Después de alejarse del grupo Aventura en 2011, el mujeriego profesional Romeo Santos hizo su debut en solitario con  Formula Vol. 1 , un esfuerzo audaz y audaz que reveló emocionantes posibilidades pop dentro de la bachata. fórmula vol. 2  llegó unos años más tarde, y este otoño, los fanáticos obtuvieron la tan esperada tercera entrega de la serie con  Formula Vol. 3.  Santos revisita las profundas y ricas raíces de la bachata en la República Dominicana. Pero también sorprende con colaboraciones desbordantes de imaginación, como hizo en 2011: cuela guitarras flamencas en “Pañuelo” con Rosalía y, en uno de los mejores momentos del disco, se sumerge en la ranchera con Christian Nodal. —JL

50 Sasami, ‘Aprieta’

Pocos álbumes de este año tuvieron un toque tan agudo como  Squeeze,  un proyecto demoledor y ceño fruncido brillantemente ejecutado después de que el artista de formación clásica y ex miembro de Cherry Glazerr, Sasami, decidiera meterse con los sonidos del metal puro. La idea, dijo , era irrumpir en la música que con demasiada frecuencia se considera dominio de los tipos blancos: “Cuanto más siento que estoy hecha para ser pequeña, subo el amplificador y mi voz se vuelve más agresiva”. Pero la opinión de Sasami es completamente suya. Ella está cantando o gruñendo, dependiendo de la canción, cargando temas como el abridor irregular “Skin a Rat” con tanta energía caótica y combustible que palpitan mucho después de haber terminado. —JL

49 Maggie Rogers, ‘Ríndete’

Se necesita una combinación de talento en bruto y una profunda introspección para dar a luz un álbum como Surrender de Maggie Rogers . Lleno de colaboraciones con artistas tan variados como el viejo amigo de Rogers, Del Water Gap, y el líder de la banda nocturna Jon Batiste, el álbum nunca se asienta en una musa directa, sino que revolotea entre el rock amigable con la radio y el pop femenino temprano. Si bien no es tan atrevido como su predecesor, Heard It in a Past Life , el álbum sigue siendo una expresión honesta del deseo del cantante de ser tomado en serio como artista. Quizás Rogers lo dijo mejor en “Anywhere With You”, uno de los grandes éxitos del álbum: “Todo lo que siempre quise es hacer que algo dure”. Esta vez, ella lo ha hecho. —CTJ

48 Wilco, ‘País Cruel’

Llamar a esto un álbum country es solo la mitad de la historia: en realidad, Cruel Country es más del mismo rock humanista y de gran corazón que Wilco hace mejor, una generosa oferta de doble álbum en la tradición de Sky Blue Sky de 2007 y Schmilco de 2016 . Hay espacio para la música americana políticamente puntiaguda (“Cruel Country”), el folk existencial (“The Universe”), las guitarras arremolinadas que roban tu cara (“Bird Without a Tail/Base of My Skull”), las súplicas tiernas de esposa-hombre (” Cansado de desquitarte contigo”), y, sí, un juego de Nashville o dos (“Falling Apart (Right Now)”). Si te gusta el camino amplio que Jeff Tweedy y su banda han forjado en las últimas dos o tres décadas, no hay nada cruel en un regalo como este. —SVL

47 Mavi, ‘De tanto reír que duele’

Como Mavi compartió con nosotros en un perfil de octubre , su preocupación por las ramificaciones de la pandemia de covid y otras epidemias sociales se vio agravada por el dolor. Fue lo suficientemente valiente como para quitarse ese peso de encima y compartirlo con el mundo en Laughing So Hard, It Hurts, un proyecto diarístico que escribió principalmente a capella, y luego combinó con ritmos de los productores Dylvinci, Monte Booker y Wulf Morpheus. Mavi profundiza en el número de pérdidas y las conclusiones a las que llegó de ellas, desde las más tristes hasta las más esperanzadoras. El arte del proyecto y la pista destacada “High John” hacen referencia a John the Conqueror, una figura del folclore afroamericano que representa la alegría en medio del dolor. Mavi canalizó esa energía en un proyecto que desafía a los oyentes a sentir todas sus emociones, pero también a apreciar el regalo de la vida de poder sentir en absoluto. —AG

46 Vaqueros nuevos, ‘Jeans nuevos’

No hay duda de que Minji, Hanni, Danielle, Haerin y Hyein causaron sensación este año con su primer EP. Con poco menos de 13 minutos, los sencillos “Attention”, “Hype Boy”, “Cookie” y Hurt” presentan cada uno un sonido único y un componente visual fresco, apoyándose fuertemente en una estética pop de los noventa que se adapta bien a esta banda y garantiza repeticiones NewJeans es parte de la última generación de grupos de K-pop, y con  New Jeans , tienen una base sólida para evolucionar y crecer. Es solo un EP del tamaño de un bocado, pero nos dejó con ganas de mucho más. —KK

45 Muna, ‘Muna’

Aprovechando el éxito comercial de su sencillo de 2021 “Silk Chiffon”, el álbum más nuevo de Muna tenía mucho que cumplir. Pero el trío de pop de Los Ángeles continuó en la larga historia de exitosos álbumes homónimos, presentando una colección de canciones que suavizaron sus impulsos de sintetizador más salvajes en un sonido indie-pop cohesivo y maduro que aún cumple con sus temas probados y verdaderos de queer. deseo y desafío. Sofisticado sin estar lleno de sí mismo, no es de extrañar que el grupo fuera elegido para abrir en el próximo Eras Tour de Taylor Swift. MUNA es un álbum que les da a los fanáticos exactamente una canción antes de que se vean obligados a preparar ese epíteto agridulce: “Me gustaban antes de que fuera genial”. —CTJ

44 Sabrina Carpenter, ‘Correos electrónicos que no puedo enviar’

Emails I Can’t Send era exactamente el álbum que Sabrina Carpenter necesitaba para enviar. Su quinto álbum, pero primero con Island Records, lidia con las percepciones frustrantes que enfrentó después de ser arrojada a un triángulo amoroso de Disney Channel del que nunca pidió ser parte. “Dime quién soy, porque no tengo elección”, canta en “Porque me gustó un chico”. Ella aclara las cosas con la tonta “Tonterías”, cantando sobre las partes divertidas de enamorarse. “Tuve que luchar contra el impulso de hacer lo que normalmente hago, encubrirlo con confianza, y en su lugar sentir esos sentimientos”, le dijo a Rolling Stone . —TM

43 Trueno, ‘Bien o Mal’

El rapero argentino Trueno toma las habilidades de rap duro y las rimas ingeniosas que aprendió mientras dominaba la escena del estilo libre de Buenos Aires y canaliza todo en Bien o Mal , un destacado maduro y socialmente consciente para un artista tan joven. Si bien canciones como “Hoop Hoop” y “Dance Crip” son odas al rap de la vieja escuela, el álbum está en su apogeo cuando Trueno lo infunde con toques de tradiciones populares y fantasmas del pasado: “Tierra Zanta” es un ejemplo sorprendente. que incorpora muestras de los músicos legendarios Víctor Heredia y Gustavo Cerati para construir un himno moderno para América Latina. —JL

42 Soccer Mommy, ‘A veces, para siempre’

Mientras Sophie Allison  de Soccer Mommy hacía A veces, para siempre , ella y el productor Daniel Lopatin (también conocido como Oneohtrix Point Never) bromeaban sobre los tres tipos de canciones en el LP: las normales, las malas y las mágicas. En su mayoría estaban bromeando, pero es una trifecta potente. Hay maldad en la agitación industrial de “Unholy Affliction” y la historia de fantasmas “Following Eyes”; hay magia que brota de “With U” y “Shotgun”. Incluso “normal” sigue siendo impresionante, ya sea la descripción devastadora de la depresión en “Still” o la forma en que “Feel It All the Time” comienza como una canción sencilla sobre un camión antes de doblarse como una meditación sobre el envejecimiento. Allison dijo  Rolling Stone que estaba interesada en la impermanencia y “aceptar que todo en la vida viene en oleadas”. A veces, Forever  es un álbum en el que puedes sumergirte o utilizarlo para mantenerte a flote. Ambos son necesarios, y la última impresión que Soccer Mommy deja en  A veces, para siempre  es ese recordatorio crucial. —J. blistein

41 Frijol de girasol, ‘Cabeza llena de azúcar’

El trío de Nueva York irrumpió en todo el esplendor del glamour en el tercer álbum, cumpliendo la promesa de mil citas sudorosas en clubes con un álbum repleto de ganchos y actitudes inolvidables. “Baby Don’t Cry”, “Who Put You Up to This?” e “In Flight” brindan tanta diversión de rock & roll como cualquier acto en los últimos años; en “I Don’t Have Control A veces”, la cantante Julia Cumming gira convincentemente hacia el pop puro. Se suma a un caso pulido para Sunflower Bean como una de las bandas de rock más placenteras de su generación. —SVL

40 Cruel Santino, ‘Subaru Boys’

Cruel Santino  , una figura clave en la escena alternativa nigeriana  ,  que se unió en torno a la música, el arte y la moda a la izquierda del centro de Afrobeats, siempre ha sido ecléctico, basándose en su amor adolescente por la narración de historias, el cine de Asia oriental, el rap, el reggae y Baile (salón. A su vez, su segundo álbum,  Subaru Boys: Final Heaven , es un drama en tecnicolor que ilustra la extensión de lo que es la música africana en la actualidad. “A mucha gente le preocupa que, debido a la música que hacen, no puedan ser quienes son”, dice. “Siento que en los próximos dos, tres, cuatro, cinco años, las canciones de rap aquí pueden ser Número Uno en el mundo. Las canciones de rock aquí pueden ser Número Uno en el mundo”. —MC

39 Asake, ‘Sr.  Dinero con el ambiente’

Asake se ha convertido en una de las estrellas emergentes más grandes de Nigeria en los últimos años, gracias a un sonido pop callejero que mezcla fragmentos de estilos locales con ganchos grandes y audaces y vívidos mensajes de la vida en Lagos. Mr. Money With the Vibe fue el álbum debut nigeriano con las posiciones más altas en llegar al Billboard 200, y por una buena razón: mucho placer y presencia, ofrece de todo, desde un cameo de Burna Boy (el remix de “Sungba”) hasta hipnóticamente quemadores de ranura (“Joha”) a los lentos encantadores (“Dull”, sobre negarse a ser). —CH

38 Café, ‘Superdotado’

Koffee ganó un Grammy en su primer intento, y eso fue solo de un EP. Su álbum debut,  Gifted , cumple con esa habilidad y promesa. La cantante jamaicana equilibra su inclinación por el reggae tradicional con florituras modernas, combinando su sabiduría con su juventud. Cuando fluye, es diestra e intrincada; cuando canta, es sincera y sincera. Su optimismo y gratitud siguen siendo notables, y la pizca de romance es entrañable. Todo lo que siente, alegría, orgullo, deber, es contagioso. —MC

37 The Weeknd, ‘Amanecer FM’

Lanzado solo una semana después de enero, Dawn FM fue el comienzo perfecto para 2022. Su conmovedora narración de Jim Carrey se entrelaza con ritmos que pueden hacernos bailar sin importar nada. Dawn FM también fue el sucesor perfecto, y quizás el único plausible, de After Hours , el álbum que llevó a The Weeknd a un nuevo nivel de megaestrellato pop en 2020. Este no solo es uno de los álbumes conceptuales más fuertes del pasado reciente, sino que imaginando un dial de radio girando a través del purgatorio, pero también está repleto de éxitos infalibles como “Gasoline” y “Less Than Zero”, el último de los cuales podría haber sido un gran canto en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl. invitado a volver a actuar este año. —TR

36 Camila Cabello, ‘Familia’

En Familia , Camila Cabello aprovecha los sonidos de sus raíces para un disco que arranca líricamente las páginas del diario de su vida, toda su angustia, drama y dudas, para que todos lo vean. Ella canta en inglés sobre mariachi en “La Buena Vida”, prueba la salsa en “Bam Bam” con Ed Sheeran y se vuelve pop latino en el destacado “Hasta Los Dientes” con Maria Becerra. A lo largo del álbum, ella canta sobre su ruptura con Shawn Mendes, que generó titulares, e incluso aborda su salida de Fifth Harmony en “Psychofreak”. “Hablar de cosas por las que he pasado y de las que nunca había hablado antes fue realmente sanador para mí”, le dijo a Rolling Stone . Con tres álbumes en su carrera en solitario, Cabello está más cruda que nunca. —TM

35 Big Thief, ‘Dragon New Warm Mountain Creo en ti

Big Thief saltó a lo grande con su última declaración al mundo: un álbum doble, muy parecido a  Cruel Country de Wilco , que se basa en la comida reconfortante folk-rock-country que Grateful Dead cocinó con  Workingman’s Dead  y  American Beauty .. El resultado es un banquete (pos)pandémico, de una banda que se encuentra en la cima de su carrera. Los estilos son astutos y la pelusa es engañosa: debajo de las superficies destartaladas hay construcciones meticulosas, melodías de gusano y ritmos innegables. La voz de Adrianne Lenker puede ser un gusto adquirido, con matices de antepasados ​​idiosincrásicos como Karen Dalton, pero es maravillosa, y la forma en que se combina con la guitarra de Buck Meek demuestra la magia que puede ocurrir entre músicos después de años de crear juntos. Claro, dura 80 minutos, pero a la mitad de la primera canción, estarás listo para tomarte el resto del día libre. —WH

34 Fuentes DC, ‘Skinty Fia’

El tercer álbum de la banda de punk se centra en la experiencia de ser un irlandés que vive en Inglaterra, y todas las pruebas, tribulaciones y choques culturales inherentes a esa realidad. También es un disco de rock & roll directo y potente repleto de referencias a James Joyce, acordeón (sí, en serio) y angustia alternativa de los noventa. “’Skinty Fia’ es una expresión que solía decir la tía abuela de nuestro baterista”, dijo  Grian Chatten  de la banda a Rolling Stone . “Suena como mutación, perdición e inevitabilidad y todas estas cosas que sentí que eran congruentes con mi idea de lo irlandés en el extranjero. … Es solo una bestia completamente nueva”. -SER

33 Zach Bryan, ‘La angustia americana’

El nativo de Oklahoma y veterano de la Marina, Zach Bryan, saltó de figura de culto a estrella en toda regla con este debut de gran tamaño en un sello importante, un tratado de 34 pistas sobre la angustia y la inquietud que se sentía como música country en desacuerdo con Nashville. Es un hábil narrador, aportando un toque poético a las historias de la vida de gira (“Highway Boys”), amigos en apuros (“Mine Again”) y desventuras juveniles (“Heavy Eyes”), todos cantados con cruda intensidad y arreglados como un amistoso. mermelada de patio trasero. Está en su mejor momento cuando muestra su lado vulnerable, como en “Algo en la naranja”, buscando en la luz y las sombras señales de la mujer que extraña. —JF

32 Brent Faiyaz, ‘Tierra baldía’

El rey de la mística del R&B siguió su lanzamiento de 2020 Fuck the World con un álbum que apunta aún más. Wasteland lo ve flotando sobre instrumentos cargados de cuerdas a medida que cambian los tempos y todos, desde Drake hasta los Neptunes, Raphael Saadiq y Alicia Keys, vienen para hacer cameos. Esas son las apariciones especiales de más alto perfil de su carrera, pero no decepcionaron, y Faiyaz demostró que puede defenderse con cualquiera de ellas. “Para mí, Wasteland es justo lo que sentí que vivimos con este grupo de emociones pospandémicas”, le dijo a Rolling Stone este año. En 2022, esa combinación fue perfecta. —DG

31 Anitta, ‘Versiones de mí’

En Versions of Me , Anitta domina el raro arte del cruce tricultural. Abriendo con el megasmash “Envolver”, una canción que la convirtió en la primera solista latina con un éxito número uno en Spotify, el álbum se dispara en múltiples direcciones como un fuego artificial radiante, y no muy diferente de la propia Anitta. “Gata”, con el pionero del reggaeton Chencho Corleone, coquetea con ritmos dembow; “Boys Don’t Cry” es una vertiginosa tormenta eléctrica disco; “Girl From Rio” reinventa el clásico de los años sesenta “The Girl From Ipanema” con melodías de R&B aceleradas. Cada canción es un nuevo lado de Anitta, atrapándola en su forma más salvaje y juguetona, recordando a los oyentes exactamente por qué el mundo se ha enamorado de ella. —JL

30 Syd, ‘El club de los corazones rotos’

El segundo lanzamiento en solitario del miembro de Odd Future y líder de Internet, Syd , comienza con inquietud: “¿Podrías romper un corazón?” pregunta sobre los sintetizadores que revolotean y los tambores cavernosos del dúo de Lucky Daye “CYBAH”. Este ciclo de canciones sobre lo que sucede cuando la respuesta es “sí” tiene una primera mitad sorprendente, incluida la espléndida producción de Rodney “Darkchild” Jerkins “Control”, que cierra la brecha entre la exuberancia de Quiet Storm y la producción más atomizada del R&B moderno. Sin embargo, cuando llega la angustia, el impacto emocional es demoledor, con temas como “Out Loud” de Kehlani antes de la ruptura a fuego lento y “BMHWDY” de la producción de Steve Lacy que capturan los fragmentos de las emociones de Syd. -METRO. Johnston

29 Sudadera de conde, ‘¡ENFERMO!

¡Earl Sweatshirt está en plena forma en SICK! , desplegando su denso lirismo sobre una producción en gran medida inconformista que sirve para hacer que reflexiones como “Empiezan a hackear cuando no pueden encogernos” en “Old Friend” se sienten aún más sobrenaturales. Este álbum se siente como si fuera tan revelador para él crear como lo fue para el oyente, ya que explora el tumulto de la pandemia y aplica las lecciones aprendidas previamente a estos tiempos. Earl también invita a Armand Hammer y Zelooperz a los procedimientos como características, pero es en gran medida una exhibición lírica en solitario, una que supera a casi todo lo demás lanzado este año. —AG

28 Tove Lo, ‘Dirt Femme’

En Dirt Femme , Tove Lo se adentra con fuerza en el melodrama, mientras se enreda con ideas sobre la feminidad y el romance que limitan su fantasía. Sobre pulsantes ritmos de club adornados con sintetizadores inspirados en los años ochenta, la cantautora rechaza el arquetipo de la esposa de Stepford en “Suburbia”, transmite las presiones enfermizas de la imagen corporal a través del ingenio sombrío de “Grapefruit” y anhela un amor que ella podría morirse, porque “es difícil en el mundo real”, como lo deja al descubierto en la balada “True Romance”. A lo largo de todo, su voz brilla, se eleva y se rompe, operando en todos los matices entre la vulnerabilidad y la invencibilidad. — MHK

27 Alex G, ‘Dios salve a los animales’

Cuanto más avanza su carrera, más Alex Giannascoli se parece a sí mismo: un tipo peludo del indie-rock que no puede evitar escribir grandes melodías, como tampoco puede dejar de jugar con ellas agregando extraños efectos vocales. A él no parece importarle ganar más fanáticos, que es una de las razones por las que sigue sucediendo con cada álbum. Alex G marca los contrastes extrañamente convincentes con un excelente efecto en God Save the Animals, agregando ligeros matices religiosos y toques de madurez a canciones como “Miracles” y “Cross the Sea”. El resultado es el álbum más fuerte del compositor de Filadelfia desde el gran avance DSU de 2014 , y un nuevo texto sagrado para sus devotos fanáticos. — SVL

26 Wizkid, ‘Más amor, menos ego’

Era difícil imaginar cómo Wizkid iba a continuar con  Made in Lagos de 2020,  el amado álbum que lanzó Afrobeats a alturas que no había visto antes en las listas de éxitos, envió a Wizkid a una exitosa gira por América del Norte y consolidó otro  nuevo el lugar de la superestrella en la vanguardia actual de la música africana. Con  More Love, Less Ego,  duplicó los ritmos, el romance y el atractivo sexual de su éxito anterior sin recrearlo por completo. Aquí, los ritmos son más apremiantes, la sensualidad es más profunda y la diversión es aún más liberadora. — MC

25 Blackpink, ‘Nacido rosa’

Jisoo, Lisa, Jennie y Rosé han gobernado durante mucho tiempo el K-pop como las “Chicas enfermas de amor”, pero con Born Pink , se convierten en reinas del rock. Es breve y dulce, ocho canciones en 20 minutos, pero eso es todo el tiempo que Blackpink necesita para pavonearse a través de todo un guardarropa de poses de estrellas, resplandeciendo con una confianza de alta energía. “Pink Venom” apuesta por el trueno glam-metal de Sunset Strip, mientras que “Shut Down” son las damas que se jactan de un ritmo trap y un bucle de violín clásico de Paganini. Pero el asesino es “Yeah Yeah Yeah”, lleno de guitarras estilo Strokes y hormonas alborotadas. Born Pink es la música más innegable que Blackpink haya hecho hasta ahora. — RS

24 Daddy Yankee, Legendaddy

Daddy Yankee anunció que se retiraba de la música en marzo, pero antes de dejar el micrófono, lanzó  Legendaddy , una última vuelta de la victoria que captura la magia de su carrera de tres décadas. Los sonidos audaces y jactanciosos abundan en “Campeon” y “Remix”, éxitos cargados de adrenalina que prueban que el ícono del reggaetón no ha perdido ni una gota de energía a lo largo de los años. Sin embargo, la facilidad resbaladiza y sintetizada de “Agua”, una colaboración inesperada con Rauw Alejandro y Nile Rodgers, y la delicadeza nostálgica de “X Última Vez” con Bad Bunny, son recordatorios de la versatilidad y adaptabilidad que le ha brindado a Daddy Yankee una obra tan impresionante. longevidad en la industria. — JL

23 Charli XCX, ‘Accidente’

El futurismo retro de alto octanaje es lo que Charli XCX ofreció en Crash , su último álbum con un sello importante. Su paleta es un pastiche ultrabrillante del New Jack Swing y disco de los ochenta, el EDM sueco de la década de 2000, el funk de la década de 1970 y el house-pop de la década de 1990 a través del himno de Robin S, “Show Me Love”. Sin embargo, la interpretación vocal de clase magistral de Charli (que aterriza en el punto medio perfecto entre amorfo y contundente) y la producción hipertáctil (una filosofía seleccionada de SOPHIE y el campamento de PC Music) evita que el álbum suene de memoria o familiar. De manera similar, las letras ven a Charli como una caricatura pop, lanzando clichés —“Voy a convertirte en mi bebé”, por ejemplo— con su característica irreverencia punky. — MHK

22 Drake, ‘Honestamente, no importa’

Un lanzamiento sorpresa, el séptimo álbum de Drake brilla y parpadea al ritmo reconfortante del house de la vieja escuela. Funciona como un elegante mixtape de verano con finales etéreos y sin pausas entre canciones. Si su álbum anterior o dos olían a estancamiento, un callejón sin salida creativo que se acerca rápidamente:  Honestly, Nevermind reinventó la estética de Drake manteniendo la vulnerabilidad lírica y el estilo de canto conversacional que lo convirtieron en una de las superestrellas más accesibles del mundo. Dirigido por una galería de productores, incluida la eminencia del house sudafricano Black Coffee y el socio de confianza en el crimen 40, el álbum se deleita con dulces auditivos: líneas de bajo caprichosas, micromuestras rítmicas de voces femeninas, una miríada de ritmos pulsantes. Llega a su punto máximo en la hermosa “Massive”, con el alegre swing de sus acordes de piano y su estado de ánimo flotante y surrealista. En todo caso, este cambio de actitud excéntrico subraya la notable variedad artística de Drake. — EL

21 Miranda Lambert, ‘Palomino’

Esta superestrella de Nashville que odia las reglas prácticamente solo hace grandes álbumes, desde su despreocupada obra maestra de doble LP The Weight of These Wings hasta su rockera Wild Card.. Agregue su octavo set de estudio a la lista de éxitos. El sentido de la pasión por los viajes musical y personal que gobierna todo lo que hace se manifiesta en diarios de viaje libres como “Tourist” y “Scenes”, así como en canciones musicalmente libres como “Actin’ Up” y “Geraldine”, que brindan sonidos hogareños de los años setenta. giros de roca. El gran y conmovedor himno “Strange” es una excelente contribución al canon country de “la modernidad apesta, vamos a hacer tiros”, y cierra las cosas con “Carousel”, una balada acústica sobre un trapecista que podría hacerte reír por lo bajo. colgando la metáfora de la cursilería hasta que te atragante con las lágrimas. — JD

20 Noah Cyrus, ‘La parte más difícil’

El primer largometraje del miembro más joven del clan Cyrus es un disco asombrosamente íntimo que equilibra las ideas tomadas del pop clásico de Laurel Canyon con la estética country moderna. Lidiando con el amor, la pérdida, la angustia del encierro y las rarezas inherentes a ser miembro de una famosa familia estadounidense, The Hardest Part busca la paz pero no se aleja del dolor. El dúo de Ben Gibbard, “Every Beginning Ends”, es una hermosa balada que se remonta a los días de las máquinas de discos de diez centavos por canción, mientras que “Loretta’s Song”, que parece un himno, celebra la vida de la difunta abuela de Cyrus, Loretta Finley, con un coro de gospel que envía la pista hacia el cielo.  — M. Johnston

19 Vince Staples, ‘Ramona Park me rompió el corazón’

¿Cómo siguió Vince Staples una de las carreras más sólidas de la última década de largometrajes aclamados por la crítica y sin miedo? Con su obra más personal hasta la fecha. Llamado así por la parte de Long Beach, California, donde creció, Ramona Park Broke My Heart es una mirada interna a lo que es ser de donde él es. Y aunque ha estado explorando esos temas desde su debut en 2015, este álbum muestra su crecimiento como compositor. “When Sparks Fly” es un juego brillante que compara su relación con un arma de fuego con una relación romántica; el sencillo “Lemonade”, asistido por Ty Dolla $ign, probablemente la pista más amigable para la radio de Staples hasta la fecha, captura la esencia del pasado y el presente de la música de la Costa Oeste. Staples usa la melodía para transmitir su mensaje, cantando en el gancho, “Sentirse como una limonada helada/Nowhere to go when we in the shadow/Nowhere to go when we in a cage”. Es uno de los mejores álbumes de rap del año, y es difícil ver cómo no obtuvo ni una sola nominación al Grammy. — Director General

18 Ángel Olsen, ‘Gran momento’

El título es irónicamente consciente de sí mismo: los álbumes ingeniosamente malhumorados de Olsen siempre han sido amados por su intensidad aplastante y su grandeza expansiva. Big Time agrega una nueva calidez, generosidad y brillo: “Besos de buenos días, dándote todo mío / Tira de las cortinas, muéstrame la luz del sol”, canta en la canción principal. Junto con una producción que evocaba el country de los setenta y amplias interpretaciones vocales que podrían recordar a grandes como Donna Fargo y Sammi Smith, resultó en un álbum que se sintió como una revelación, y su nuevo sentido de generosidad emocional hizo giros más sombríos (como la música de cámara). goth de “Go Home”) se sienten más merecidos y urgentes que nunca.  — JD

17 Megan Thee Stallion, ‘Traumazina’

“Pasando por algo de mierda, así que tengo que mantenerme ocupada/Compré un ‘Rari, no puedo dejar que la mierda en la que estoy pensando me alcance”, rapea Megan Thee Stallion con la típica franqueza en “NDA”. Fiel a su estilo, resplandece en gran parte de su segundo álbum oficial, deleitándose con sus talentos físicos y líricos mientras apunta a los que la odian dentro y fuera de línea, con su ira reservada para un rapero melódico canadiense en particular. Pero son los pocos momentos en los que hace una pausa para considerar su vida, desde el duelo por la muerte de sus padres en “Flip Flop” hasta admitir que tiene “ansiedad”, lo que hace que Traumazine sea algo más que otro escaparate contundente de los mejores de Houston. – SRES

16 Bartees Strange, ‘De la granja a la mesa’

Llámalo indie rock si quieres, pero no existe un precedente real para la mezcla de emo, country, rap, club-pop y noise rock que comprende el emocionante segundo LP de estudio de Bartees Strange. Es una colisión de sonidos que se siente tan innovadora como natural, ya sea que el cantautor (nombre real Bartees Cox Jr.) esté pronunciando una declaración sobre identidad y autodefinición (“Hennessy”), abriéndose camino a través de una angustia solitaria ( “Heavy Heart”), o filosóficamente acerca de las trampas de buscar la satisfacción a través del éxito (“Cosigns”). Todo equivale a una mezcla poderosa, conmovedora y, sobre todo, genuinamente fresca de la narración de una de las estrellas de rock de más rápido crecimiento en el país. “Bartees tiene tantos intereses y ha hecho muchas cosas”, como dijo su amigo L’Rain . Rolling Stone a principios de este año. “Por supuesto que su música sería un reflejo de eso”. — J. Bernstein

15 Omar Apolo, ‘Marfil’15

Un cantautor mexicoamericano que se mueve con asombrosa facilidad entre estados de ánimo y géneros, Omar Apollo se organizó una gran fiesta de presentación en su álbum debut. Marfilva desde el elegante destello de R&B de “Go Away” hasta el ligero toque dormitorio-pop de “Waiting on You” y la balada tradicional mexicana amorosamente interpretada de “En El Olvido”, sintiéndose a la vez vorazmente íntimo, inmersivamente apasionado y vívidamente idiosincrático. Las apariciones de Pharrell, la astuta cantante colombiana Kali Uchis y el prometedor artista de R&B Daniel Caesar demuestran lo bien que toca con los demás, pero este disco trata sobre su historia: un niño queer de Indiana que canta en inglés y español, ama mucho y piensa profundamente. y da la casualidad de que está haciendo música inquietamente omnívora que se siente muy cerca del pop del mañana. — JD

14 Steve Lacy, ‘Derechos de Géminis’14

¿Qué hace que Gemini Rights se sienta tan atemporal? La respuesta está en la forma en que encarna el signo zodiacal de Steve Lacy, al que se hace referencia en el título. Aunque el álbum fue lanzado técnicamente durante la temporada astrológica de cáncer, sus letras y producción son puramente Géminis: flexibles, inteligentes, duales tanto en el mensaje como en la estructura de la canción, con casi cada pista rompiendo en un final maravilloso que merece ser independiente. Aunque su gran éxito, “Bad Habits”, ha pasado semanas en la cima del Hot 100, otras canciones muestran el resto del impresionante rango de Lacy: “Mercury” les da a los oyentes una muestra del funk futurista al estilo de la Tierra, el Viento y el Fuego, mientras que la conmovedora y sin embargo, el enfoque hip-hop de “Sunshine” (con Foushée) te hará cantar como si fueras un miembro de Delfonics. Poco después del lanzamiento del álbum este verano, Lacy llevó el álbum de gira en un momento en que los astrólogos decían que Marte entró en Géminis y se volvió retrógrado. Efectivamente, sus actuaciones se volvieron virales por percances que incluían demasiado humo en el escenario, miembros de la audiencia gritando durante su actuación, o simplemente no saber las letras de sus canciones. La justicia poética en todo esto hizo que el álbum de Lacy fuera aún más atractivo. — M. Jordán

13 Cuchara, ‘Lucifer en el Sofá’

La pandemia significó que Spoon pasó cinco largos años siguiendo Hot Thoughts de 2017  , pero su décimo álbum se siente inmediato, no laborioso. Después de un par de álbumes llenos de artesanía de estudio, Lucifer on the Sofa  es un regreso a la sensación ruidosa, ingeniosa y de vivir en la habitación de los clásicos de Spoon de la década de 2000. El grito áspero de Britt Daniel toma el control elegante de “Feels Alright”, un pastiche de rock clásico que halaga al instante. “Hay juju cayendo a tu alrededor”, canta en “The Devil & Mister Jones”, que ahora suena como un tema musical para Red Wave That Wasn’t. —MM

12 Alvays, ‘Blue Rev’

¿Y si Loveless de My Bloody Valentine y Beauty and the Beat de Go-Go fueran el mismo disco? Sorprendentemente, ahí es donde estos ninjas canadienses del dream-pop aterrizan en su tercer LP enormemente encantador. Alvvays tiene un dominio total del canon del indie-pop, desde los estallidos de ruido de Pixies confitados hasta los rayos de sol tintineantes de REM, la majestuosidad de los Smiths de un día gris y los pop-hook pile-ups de New Pornographers. Todo podría convertirse en una distracción encantadora si no fuera por las melodías indelebles de la cantautora Molly Rankin, junto con su capacidad para trazar el esplendoroso estado intermedio de sentirse como “un asistente en la forma en que la vida se está sacudiendo”. Estar atrapado allí rara vez se ha sentido tan increíble. — JD

11 Kendrick Lamar, ‘Mr Morale and the Big Steppers’

Varios meses después, el debate incendiario sobre el primer álbum de Kendrick Lamar en cinco años todavía arde. Sin embargo, a pesar de todos los argumentos sobre sus letras “Auntie Diaries” y “cancel culture”, su contratación de la problemática estrella del rap Kodak Black para varios números y la preocupación de la industria de que las ventas no fueron tan estelares como Damn de 2017 . … sigue siendo más dinámico y estimulante que casi todo lo demás en el rap. Algunos críticos replicarán que su sentido de la ambición es un lastre, y que debería profundizar en asentir con la cabeza como “Humble” o “Backseat Freestyle”. Pero después de varios álbumes que cambiaron el juego, Mr. Morale es el momento de Lamar para explorar un futuro lleno de familia, terapia y un sentido de sí mismo. No está centrado en el pasado. A juzgar por su gira mundial con entradas agotadas, hay millones listos para unirse a él. – SRES

10 Wet Leg, ‘Wet Leg’

Una de las mejores nuevas bandas de rock que ha surgido en los últimos cinco años, este dúo de la Isla de Wight obtuvo cubos de exageración bien merecidos gracias a sencillos pegadizos y alegremente cáusticos como “Wet Dream” y “Chaise Longue”, y procedió para masacrar todas las expectativas con su fantástico debut de larga duración . Wet Leg está repleto de melodías agudas y bromas aún más agudas, que ofrece una actualización de 2020 sobre leyendas inexpresivas de los noventa como Pavement y Elastica. “No quiero seguirte en el ‘gram/No quiero escuchar a tu banda”, dicen con disimulo sobre el brillo lateral de la guitarra de “Angelica”. Esta es una banda que probablemente seguiremos durante mucho, mucho tiempo. — JD

9 J-Hope, ‘Jack in the Box’

El primer miembro de BTS en lanzar un álbum en solitario, J-Hope puso el listón muy alto con  Jack in the Box , un álbum conceptual de 10 pistas que comienza con un recuento del mito de la caja de Pandora. El último elemento en ese contenedor mítico y caótico fue la esperanza, después de lo cual el rapero se nombró a sí mismo, una descripción acertada, si este debut creativo e interminable es una indicación. “Lo que realmente quiero decir es que el álbum está lleno de mi alma y mi sinceridad”, le dijo a Rolling Stone. a principios de este año. “De esa manera, es un álbum único, y el álbum es muy significativo porque, en términos de musicalidad, actuará como un trampolín para que J-Hope avance”. Después de un debut como este, los fanáticos de J-Hope (nuevos y antiguos) pueden estar bastante seguros de que no se sentirán decepcionados con sus futuras ofertas. — SER

8 FKA Twigs, ‘Caprisongs’

Caprisongs es revelador simplemente porque ve a FKA Twigs, conocido perfeccionista, finalmente soltándose. Envalentonada por sus compañeros colaboradores de Londres (Pa Salieu, shygirl, Dystopia, Jorja Smith), así como por otros amigos alentadores cuyas voces aparecen a lo largo del ecléctico mixtape, Twigs toma su estilo R&B con fallas y lo dispersa alegremente en las direcciones de Afropop, dancehall, hiperpop y mugre. A través de todas sus tiernas introspecciones, interpretaciones vocales juguetonas y ritmos ardientes, el proyecto captura el proceso de Twigs de reconstruirse a sí misma después de una angustia. “No soy el cómplice de la estrella de rock, soy la estrella de rock”, declara en “Which Way”, una verdad que la mayoría del mundo ya sabía, pero que tenía que darse cuenta por sí misma. — MHK

7 King Princess, ‘Hold on Baby’

“¿Cómo escribo música si no se trata de vengarme de alguien?” Mikaela Straus  recordó  preguntarse a sí misma. La respuesta que se le ocurrió es  Hold on Baby , una odisea de 40 minutos de crisis emocionales, letras introspectivas y estribillos que suenan como una combinación mágica de Savage Garden y Audioslave. Es posible que la joven de 23 años no esté desconsolada, como lo estuvo en su debut de 2019,  Cheap Queen  , pero lo compensa con éxito con éxitos como “Cursed” y “Too Bad”. “Tener a alguien”, nos dijo, “abre tu corazón a esta idea de que no tienes que caminar con pesadez”. — AM

6 Pusha T, ‘It’s Almost Dry’

Está el candidato a álbum del año que busca superar todos los límites creativos, y luego está la belleza de la simplicidad. El cuarto LP en solitario de Pusha T sobresale en la última categoría. Durante más de una década, ha estado navegando en su carrera posterior a Clipse con proyectos inmersos en su fórmula ganadora: conversaciones sobre drogas sobre ritmos de drogas. It’s Almost Dry puede ser su mejor oferta hasta el momento. “Just So You Remember” lo muestra en modo Joker completo, mientras que él y Jay-Z se turnan para pavonearse en “Neck and Wrist”. Kanye y Pharell se repartieron la cuenta de la producción del álbum, lo que le dio a Pusha un inspirado telón de fondo para desplegar la colección de rimas más nítida que escucharás durante todo el año. — AG

5 Harry Styles, ‘Harry’s House’

Sabes que no es lo mismo que antes. A Harry Styles se le ocurrió la plantilla definitiva para un éxito de taquilla pop moderno en Fine Line, pero con Harry’s House , decide romperlo y empezar de nuevo. Es un ciclo de canciones vibrantes, divertidas y vívidamente emocionales sobre cómo encontrar diferentes tipos de hogar en la carrera. Pasa del pop de la ciudad al estilo de Tokio (“Música para un restaurante de sushi”) al disco flash (“Satélite”) y a la mareada hippie shagadelia (“Grapejuice”). “As It Was” fue íntima y personal, pero se convirtió en el éxito más universal del año: esta canción tardó seis meses en salir del Top Five. Sin embargo, tiene el mismo corazón palpitante que “Matilda”, una poderosa balada de guitarra sobre ver a un amigo aceptar un trauma familiar. — RS

4 Rosalia, ‘Motomami’

El cambiaformas catalán lleva años desatando discusiones sobre género, raza y cultura en la música en español. Pero con la políglota  Motomami , hizo todo lo posible como una orgullosa globalista del pop, haciendo alarde de su devoción por Kate Bush, MIA y Camarón de la Isla a partes iguales. Este disco tiene flexiones de dembow, bachata, bolero, reggaeton y salsa; flamenco también, por supuesto, además de cameos de James Blake, Tokischa y The Weeknd, solo para dar una idea de la compañía que tiene. Motomami  también mostró el humor astuto de Rosalía, la voz dulce y potente y el escandaloso radar de ritmo. Ella es la fusionista más emocionante del juego, punto. — WH

3 Taylor Swift, ‘Midnights’

Adiós a la  era Folklore  y  Evermore. En Midnights , Taylor Swift salió del bosque y entró, a una cámara decorada con las mejores paredes revestidas de madera y sofás color mostaza, para una oda al insomnio como solo ella podía capturarlo. Gemas brillantes de sintetizador como “Maroon” y “Question…?” suenan como primos lejanos de  1989, excepto que este es el tipo de miembro de la familia al que le encanta recordar los años setenta alimentados por la cocaína tocando canciones de Fleetwood Mac en su polvorienta Wurlitzer. Es un disco que suena mejor de principio a fin. Pero si tiene poco tiempo, concéntrese en las tres canciones de “Vigilante Shit”, “Bejeweled” y “Labyrinth”, que crean una racha de euforia superior a casi todo lo lanzado este año. Jaque mate, no podías perder. — AM

2 Bad Bunny, ‘Un Verano Sin Ti’

La oda iluminada por el sol de Bad Bunny a los veranos puertorriqueños es el proyecto más despreocupado de la superestrella hasta el momento, pero hay un peso en la forma en que ha batido récord tras récord: el LP se convirtió en el álbum más reproducido en Spotify cuando salió por primera vez; pasó más tiempo en el Número Uno en el Billboard 100 que cualquier otro álbum este año; e hizo historia como el primer álbum totalmente en español en ser nominado a Álbum del Año en los Grammys. Canciones como “Titi Me Pregunto” definieron el 2022, mientras que otros toques brillantes —“Ojitos Lindos”, “Otro Atardecer”— encontraron a Bad Bunny sumergiéndose en aguas indie resplandecientes y resurgiendo con magníficos descubrimientos. — JL

1 Beyonce, ‘Renaissance’

El impresionante regreso en solitario de Beyoncé en Renaissance fue el punto culminante musical del año .. Fue un momento en el que la aclamación universal de la crítica por su trabajo se alineó con un gran éxito en solitario número uno, el primero en más de una década, con la casa de piano triunfante y entusiasta de “Break My Soul”. El álbum la encuentra celebrando descaradamente el placer negro en todas sus multitudes e ilustra ese tema con docenas de voces y sonidos muestreados, estimados invitados (¡Grace Jones!) y ecos de estilos de clubes globales pasados ​​​​y presentes. Como es habitual en ella, superpone el álbum con suficientes tótems para alimentar un millón de artículos de reflexión y disertaciones. Sin embargo, también es posible simplemente bailar y vibrar con la música. Esta es Beyoncé en su apogeo alegre, y no lo obtendrás a menos que quites el “plástico del sofá”, “lo dejes caer como un tonto” y disfrutes de Queen Bey en su mejor momento. – SRES

Fuente: Rolling Stone